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Podcast – Pintura e Finanças

O artista Emerson Ferrandini, do site Arte Academia, me chamou para conversarmos sobre pintura, mercado de trabalho do artista e estabilidade financeira. Foi muito legal conversar com o Emerson, eu adorei, e o podcast já saiu para todo mundo ouvir.

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Espero que a conversa seja útil para você e possa contribuir de alguma forma com o seu crescimento na pintura.

Se gostaria de saber mais coisas, se você tiver dúvidas ou sugestões, por favor envie para o e-mail contato@thaisslaski.com.br que eu vou juntar varias mensagens e respondê-las em outro vídeo, em outra oportunidade mais para frente.

A precisão luminosa das obras de Joaquín Sorolla

Sorolla é conhecido por suas obras de singular luminosidade, muitas vezes retratando praias ensolaradas da Espanha com personagens que parecem brincar aos olhos dos espectadores, eternizados através de rápidas pinceladas que lhes imprimiam movimento e leveza, além de cores harmoniosas. O pintor foi ainda mais notável ao expressar a sua sensibilidade artística em obras que se voltam para questões históricas e sociais análogas principalmente à pobreza. 

Joaquín Sorolla y Bastida nasceu em 27 de fevereiro de 1863, em Valência na Espanha. Era o primeiro filho de um pobre casal de comerciantes, porém com apenas dois anos de idade o jovem Joaquín ficou órfão. Ele e sua irmã mais nova tiveram os cuidados delegados a um casal de tios maternos e aos 9 anos de idade iniciou sua educação artística. 

O talento precoce de Sorolla o levou, aos 15 anos de idade, a ingressar na Academia de San Carlos, localizada em sua cidade natal. Já aos 18 anos teve a oportunidade de viajar para Madri, onde estudou os grandes mestres expostos no Museu do Prado. Após prestar o serviço militar obrigatório, aos 22 anos, partiu para a italiana Roma com o intuito de aprender pintura, após ganhar uma bolsa de estudos. Teve ainda a oportunidade de passar uma temporada em Paris, onde teve contato com a arte vanguardista. 

Sorolla estabeleceu-se em Madri dois anos após de casar-se com Clotilde García del Castillo com quem teve três filhos: Maria, Joaquín e Elena. Suas obras, naquela época, focavam-se sobretudo no orientalismo, temas mitológicos, históricos e sociais. Nessa altura ele já havia desenvolvido o estilo pictórico marcante de suas obras denominado Luminismo e o que tornaram reconhecido como o Pintor da Luz. 

Apenas em 1892 conseguiu certa projeção artística com a tela “Outra Margarita!” que ganhou medalha de ouro na Exposição Nacional de Madri. Com essa mesma obra o pintor espanhol conquistou o primeiro lugar na Exposição Internacional de Chicago, cunhando assim fama internacional.  

Entretanto foi com a aclamada obra Triste Herança (1899) em que retrata crianças aleijadas tomando banho no mar de Valência, em que o pintor realmente teve uma virada em sua carreira. A obra lhe rendeu o Gran Prix, uma medalha de honra na Exposição Universal de Paris (1900) e outra medalha de honra na Exposição Nacional de Madri (1901). Porém, foi a partir desse trabalho que Sorolla passou a se distanciar dos temas sociais. 

Outras das importantes obras de Sorolla são “E ainda dizem que peixe é caro” (1894), o “Retrato do Dr. Simarro ao Microscópio” (1897), uma união entre arte e ciência e que viria a retornar na tela “Uma Investigação”, Menina (1904), Passeio à beira-mar (1909), Correndo ao longo da praia (1908) e Meninos na Praia (1910). 

Ao olhar para uma obra de Sorolla é quase possível sentir a brisa que desmancha as vestes e bagunça os cabelos ou sentir a cálida luz solar que ilumina a paisagem e a pele de seus modelos, sobretudo em suas paisagens à beira mar. A influência do artista sobre a arte espanhola foi tanta que muitos adeptos de suas técnicas passaram a ser conhecidos como “sorollistas”. Sorolla faleceu em 10 de agosto de 1923, em Madri.

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Berthe Morisot – a dama impressionista

No auge do Impressionismo em Paris, a pintora francesa Berthe Morisot, ganhou destaque como uma das poucas mulheres a participarem ativamente do movimento. A artista esteve presente nas primeiras exposições que ajudaram a divulgar as obras dos pintores impressionistas, e foi reconhecida principalmente por trabalhos que exploravam cenas familiares com um foco especial na maternidade, tendo muitas vezes as paisagens ao ar livre como pano de fundo.

Berthe Marie Pauline Morisot nasceu em uma influente família, em 1841, na comuna francesa de Bourges e tinha duas irmãs e um irmão mais novo. Assim como em outras famílias da região, as irmãs Morisot desde cedo foram educadas em artes, porém sempre através de aulas particulares, uma vez que na época as mulheres não podiam frequentar as grandes academias de artes. Aos 16 anos, Berthe Morisot começou a frequentar o Museu do Louvre e ali passou a observar e a copiar as obras dos grandes mestres.

Em 1860 começou a explorar a pintura ao ar livre, influenciada pelo amigo e artista realista francês Camille Corot, que conheceu no Museu do Louvre e costumava pintar paisagens. Berthe tornou-se amiga também do pintor Édouard Manet e casou-se com o irmão dele, Éugene Manet. Aos 23 anos, a artista já tinha obras expostas no Salão de Paris, honra que lhe rendeu críticas entusiasmadas desde as suas primeiras obras, o que tornou presença constante no salão oficial.

A sua proximidade com Manet serviu como porta de entrada para o grupo de pintores impressionistas e ela passou a expor as suas obras nas exposições independentes do movimento desde 1874. Utilizando-se das principais técnicas impressionistas como as pinceladas soltas e curtas, a pintora oferecia uma visão nova e contemporânea para as suas composições artísticas. Ao contrário da colega Mary Cassatt que também explorava em suas telas as rotinas familiares, porém de maneira mais privada e em ambientes fechados, Berthe Morisot tinha preferência pelas cenas domésticas que se desenrolavam ao ar livre.

Considerada como uma das mais importantes figuras femininas do movimento impressionista, Berthe tinha o poder de retratar as complexidades humanas através de seus quadros. Entre as principais obras de Berthe Morisot estão as aclamadas O berço e No Jardim de Maurecourt. Na exposição impressionista de 1880, foi uma das artistas mais elogiadas, e em exposições anteriores foi nomeada por um crítico do Le Temps como a “verdadeira impressionista do grupo”. Berthe faleceu em 1895, em Paris, vitima de uma pneumonia.

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Tarsila do Amaral – ícone do modernismo brasileiro

Tarsila do Amaral foi uma das artistas responsáveis pela primeira fase modernista da arte brasileira e também por inaugurar o movimento Antropofagia. Seu trabalho ganhou notoriedade tanto nacional como internacionalmente, o que a alçou como uma das mais importantes artistas plásticas brasileiras.

Nascida em 1 de setembro de 1886, na cidade de Capivari, interior do estado de São Paulo, Tarsila do Amaral é proveniente de uma família abastada que lhe proporcionou uma ótima educação. Após estudar em colégios de renome de São Paulo, terminou seus estudos em Barcelona, na Espanha. Ao retornar ao Brasil, casou-se com o médico André Teixeira Pinto com quem teve sua única filha, Dulce. Porém o casamento não durou muito, pois o marido era contra o envolvimento de Tarsila com a arte.

Em 1917, Tarsila começou a aprender pintura com Pedro Alexandrino Borges, pintor e professor renomado, e em 1920 foi à Paris para estudar na Academia Julian, onde teve contato com diversos artistas com pensamento vanguardista. De volta ao Brasil, ela passou a se envolver com as ideias modernistas, ocasião em que conheceu Anita Malfatti, Oswald de Andrade, Mário de Andrade e Menotti Del Picchia e juntos formaram o Grupo dos Cinco.

Em viagem com Oswald de Andrade à Europa, em 1923, conheceu Pablo Picasso e outros mestres cubistas que viriam a influenciar as obras de Tarsila do Amaral. Já no Brasil, em 1924, realizou uma viagem junto a outros modernistas e se encantou pelas cores da flora e fauna brasileira que a fizeram reviver os sentimentos e memórias da infância que deram início à fase Pau Brasil, de Tarsila que compreende os anos de 1924 a 1928. São deste período as obras A família, São Paulo, Morro da favela, entre outras. A artista casou-se com Oswald de Andrade em 1926, ano em que realizou a sua primeira exposição individual na Galeria Percier, em Paris.

Tarsila pintou o famoso quadro Abaporu, em 1928 e presentou o marido. Oswald de Andrade ficou bastante entusiasmado com a obra e a mostrou para o amigo Raul Bopp. A tela foi responsável por iniciar o movimento Antropofágico, pois o nome Abaporu é de origem indígena e significa “homem que come carne humana”. O novo movimento propunha dar uma característica mais brasileira à arte, adaptando as influências estrangeiras. Dando vida ao estilo antropofágico que durou de 1928 a 1930, Tarsila utiliza-se de cores fortes, elementos do seu imaginário, misturando a elementos da flora e fauna brasileira, como pode ser conferido em obras como Antropofagia, Paisagem com Ponte, O Touro e O Ovo.

Após a sua separação de Oswald de Andrade em 1930, abalada, Tarsila se dedica ainda mais ao seu trabalho artístico. É nesta época que ela inicia mais uma fase, conhecida como Social, em que sensibilizada pelos problemas da classe operária que ela teve contato em viagem pela Europa. Destacam-se deste período os quadros Os Operários e Segunda Classe. Na década de 1940, a artista passa a pintar seguindo os estilos das suas fases anteriores. Tarsila faleceu aos 86 anos, em São Paulo.

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Renoir – o mais descontraído dos impressionistas

Popular por suas telas que expressam o otimismo e o clima alegre da cidade de Paris no final do século XIX, Renoir foi um dos artistas que aderiram ao movimento impressionista após superar as influências realistas dos trabalhos de Gustave Coubert. Sua obra se caracteriza pela reprodução da intensa e movimentada vida parisiense, deixando em segundo plano as paisagens para focar na figura humana, especialmente a feminina que passa a ser retratada com uma sensualidade estilizada.

Nascido em Limoges, no ano de 1841, Pierre-Auguste Renoir era proveniente de uma família modesta que se mudou para Paris em 1844. A proximidade com o Museu do Louvre foi um dos fatores que estimularam o jovem a gostar de artes, desenvolvendo um notável talento para o desenho. Aos 13 anos, devido a difícil situação financeira, foi trabalhar em uma fábrica de porcelanas. O dono da fábrica identificou a inclinação artística do aprendiz, o que possibilitou que Renoir ingressasse na Escola de Belas Artes de Paris.

Foi no estúdio de Charles Gleyre, em 1862, que ele conheceu artistas que compartilhavam de ideias muito parecidas com as suas como Alfred Sisley, Frédéric Bazille e Claude Monet. Nesta época ele já expressava o desejo de retratar a beleza em sua arte, não necessariamente da forma que as coisas eram e sim como o pintor francês achava que deveriam ser. Participou da primeira exposição impressionista em 1874, em que expôs quatro telas. Uma delas é a famosa O Camarote, que ele conseguiu vender pouco tempo depois. Nesta obra é possível ver ainda um toque de influência da pintura clássica através dos contrastes de claro e escuro, tão comuns no Barroco.

A partir da década de 1880, Renoir passa a se distanciar um pouco das técnicas impressionistas, buscando novas inspirações na Argélia e na Itália. As obras de Rafael e do pintor neoclássico, Ingres, são ponto de partida para um novo período em sua vida artística, marcado por pinceladas mais secas e sólidas. Essa transição pode ser observada na obra Rosa e Azul – As meninas Cahen d’Anvers, de 1881.

A tela encomendada pelo banqueiro Louis Raphael Cahen d’Anvers, retrata as suas filhas Alice e Elisabeth com expressões bem distintas, mas rodeadas pelo ar da infância. No quadro de Renoir é possível observar as formas bem delineadas e arredondadas dos rostos das meninas, compostos por um pincel trabalhado de maneira firme. Em contrapartida seus vestidos ganham movimento e textura através de pinceladas curtas, pontilhados que tomam forma ao serem observados à distância e contrastam com as faixas na cintura em que a tinta é trabalhada de maneira mais larga, adquirindo o brilho tão característico do cetim.

Atualmente o quadro pertence ao acervo do Masp que entre 1948 e 1952 recebeu nove telas de diversas fases do mestre francês. Ainda no final da década de 1950, o Museu de Arte de São Paulo adquiriu mais três telas de Renoir em uma famosa expedição à Europa e Estados Unidos. Dono de uma rara coleção, o Masp apenas empresta os quadros aos mais importantes museus do mundo.

 

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Crédito Imagens:
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Taschen

Edgar Degas – A valorização da luz em interiores na pintura impressionista

Nome de destaque do movimento impressionista, o artista francês Edgar Degas, ao contrário dos seus colegas, pintava poucas paisagens ao ar livre. Ficou conhecido especialmente por suas telas que retratam bailarinas, a vida doméstica parisiense, além de uma escolha de paletas de cores que na época eram consideradas discordantes.

Edgar Hilaire Germain Degas nasceu em Paris em 1934 e destacou-se como pintor, gravurista, escultor e filósofo francês. Filho do rico banqueiro Auguste Degas, sua origem abastada teve grande influência sobre as suas preferências artísticas. Após concluir os estudos no Liceu Louis-le-Grand, aos vinte anos, ingressou no ateliê de Louis Lamothe, onde conheceu Ingres, pintor que o aconselhou a valorizar o desenho e não somente a cor. Por exigência de seu pai, chegou a cursar dois anos do curso de Direito, porém não se dedicou aos estudos.

Viveu por cerca de três anos na Itália, onde teve a oportunidade de conhecer e copiar as obras dos grandes mestres do Renascimento, como Leonardo, Rafael e Michelangelo. Nesta ocasião ele iniciou uma das suas obras de renome: Retrato da Família Bellelli, concluída em 1860.

De volta à Paris, conheceu Édouard Manet, responsável por aproximá-lo do grupo de artistas que posteriormente seria chamado de impressionistas. Apesar de ter participado da primeira exposição impressionista, em 1874, Degas relutava em se enquadrar ao movimento e também divergia bastante dos outros pintores. Se por um lado os pintores impressionistas saiam ao ar livre para conceber as suas obras, Degas tinha clara preferência em pintar em estúdio, explorando com criatividade os efeitos da iluminação em interiores. Além disso, a conclusão de cada tela exigia diversos croquis e esboços, o que resultava em obras quase fotográficas.

Destacam-se em suas obras a figura feminina, as cenas de ballet, o cotidiano doméstico e a vida noturna parisiense em que o pintor francês reúne um apanhado de influências que não se conectam entre si e o distanciam cada vez mais do impressionismo. Seus hábitos reclusos também refletiam as suas produções artísticas, consideradas sob alguns aspectos bastante conservadoras.

Entre as suas principais obras estão A Aula de Dança, Depois do Banho, Mulheres Passando Roupa, Os jovens espartanos, além da escultura Pequena Bailarina de catorze anos, trabalho que chocou a sociedade parisiense e inovou por seu um dos primeiros a trazer uma escultura trajando roupas de verdade. Atualmente a escultura faz parte do acervo do MASP, em São Paulo.

Em seus últimos anos de vida, Degas perdeu a visão progressivamente, passando a viver isolado e tornando-se uma pessoa de difícil convivência. Faleceu na cidade de Paris, em 1917.

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Leonardo Da Vinci e o Sfumato – A técnica por trás de um dos sorrisos mais famosos da história da arte

A incontestável versatilidade da mente genial de Leonardo da Vinci foi responsável por criar e desenvolver estudos em diversas áreas do conhecimento. Suas técnicas artísticas atravessaram os séculos e continuam inspirando gerações de artistas. Entre as mais famosas destaca-se o sfumato, efeito que conferiu o impressionante acabamento de algumas de suas mais célebres obras.

A intrigante Mona Lisa de Leonardo foi a obra que deu origem ao sfumato, em 1503. Com a técnica, Leonardo da Vinci queria criar um efeito mais próximo à realidade em suas pinturas, nas palavras do próprio artista “sem limites ou bordas, à maneira da fumaça”. Desta forma, o sfumato gera graduações entre as tonalidades, principalmente entre as passagens de luz para a sombra, proporcionando uma maior sensação de volume. No quadro Mona Lisa, as pinceladas são quase imperceptíveis. O mesmo ocorre na bruma que envolve as figuras centrais da obra Virgem dos Rochedos e nos detalhes do retrato de Cecília Gallerani, intitulado Dama com Arminho.

Influenciado pelas técnicas de Leonardo, Rafael outro grande nome do Alto Renascimento, empregou com maestria o sfumato em suas pinturas. A técnica pode ser observada em diversos dos seus quadros, como em A Sagrada Família Canigiani.  Outros nomes expressivos da história da arte a empregar o sfumato foram Correggio e Giorgione.

Para se obter efeito de sfumato, pode-se esfregar o dedo pela superfície do desenho até chegar ao degradê desejado. Muitos artistas também utilizam o esfuminho, material semelhante a um lápis, porém feito com papel jornal compacto enrolado que serve para esfumar as áreas de contorno do desenho, criando sombreados. Também é possível encontrar esfuminhos de feltro e couro.

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