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Salvador Dalí – as excentricidades de um gênio surrealista

Conhecido por suas extravagâncias que muitas vezes se sobrepunham à sua arte, Salvador Dalí é um dos nomes mais importantes do Surrealismo, tendo assinado obras icônicas do movimento, utilizando-se de imagens oníricas e uma impressionante técnica artística. Não se atendo apenas ao âmbito das artes plásticas, o pintor espanhol contribuiu também para o cinema em produções de Walt Disney e Alfred Hitchcock.

Nascido em 1904 na Catalunha, Espanha, Salvador Felip Jacint Dalí i Domènech ficou mundialmente conhecido como Salvador Dalí. Iniciou a educação artística formal bem jovem na Escola de Desenho Federal, já em 1921, aos 16 anos de idade, passou a frequentar a Academia de Artes de San Fernando, em Madri, porém não concluiu os estudos pois foi expulso duas vezes por criticar o corpo docente da instituição. Seus cabelos compridos e roupas extravagantes já despertavam interesse e viriam a consolidar a personalidade excêntrica do artista. Foi nessa ocasião também que Dalí começou a experimentar em suas produções o Cubismo e posteriormente o Dadaísmo que foi a verdadeira base de seu estilo artístico: o Surrealismo.

Em visita à Paris, entre 1926 e 1929, Dalí conheceu o pintor cubista Pablo Picasso, que foi grande fonte de inspiração para os seus trabalhos e também os pintores Joan Miró e René Magritte, responsável por lhe apresentar o estilo surrealista. Nesta época, contribuiu em produções cinematográficas de Luis Buñuel que conheceu na Academia de Artes de San Fernando e também conheceu a modelo e atriz Gala, então mulher do poeta Paul Éluard, e que viria a se tornar a sua musa inspiradora e esposa em 1934.

As principais características das obras de Dalí são as imagens oníricas, fantasiosas e muitas vezes ilógicas onde é possível observar objetos em justaposição inesperada em detrimento a paisagens aparentemente comuns. O processo criativo de Dalí baseava-se no que ele cunhou como “paranoia crítica”, onde abria mão da racionalidade, explorando o mundo dos sonhos, quase que em transe para obter o máximo da imaginação e criatividade. Suas principais obras são A Persistência da Memória, Girafa em Chamas, Sono, A crucificação de São João da Cruz e a Última Ceia.

Como se o conteúdo de seus quadros não lhe rendesse atenção suficiente, Dalí também ficou conhecido por suas extravagâncias. Em 1936, por exemplo, ele deu uma palestra vestido completamente com uma roupa de mergulho. Dalí chegou a romper com os surrealistas devido aos seus escândalos e divergências políticas e em 1940 partiu com Gala para os Estados Unidos, época em que colaborou na sequência do filme Spellbound, de Alfred Hitchcok. Ainda na década de 1940, ajudou na pré-produção da animação Destino, da Disney que, no entanto, só foi lançada em 2003, posteriormente à morte de Dalí que ocorreu em 1989, em Figueres, Espanha.

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O Sono de Dalí

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Técnica da Aquarela

A aquarela é uma famosa técnica de pintura que surgiu há mais de 2000 anos na China, por volta da mesma época em que foram inventados o papel e o pincel de pelo de coelho. A técnica de aquarela consiste em dissolver pigmentos em água ou suspensos no suporte e tem seu nome atrelado a figuras importantes da história da arte, mas com o tempo passou a ser um método mais difundido entre artistas iniciantes.

Albrecht Dürer, o mesmo a inventar a técnica do quadriculado, foi o responsável por perpetuar a aquarela no Ocidente, tendo restado cerca de 120 obras em que o artista do século XV empregou a técnica. Uma de suas aquarelas mais famosas é o estudo intitulado Lebre que data de 1502 e mostra toda a suavidade proporcionada pela técnica, motivo pelo qual era bastante empregada em estudos e esboços, antes de se chegar a obra final. A técnica também é bastante empregada no registro de espécimes botânicas.

Porém foi o inglês William Turner, no século XVIII que explorou a técnica ao máximo, produzindo mais de 19000 aquarelas. No quadro Erupção do Vesúvio, de 1817, mesmo utilizando-se de cores fortes, o artista explora a sutileza da aquarela criando uma paisagem impactante, cheia de movimento e luminosidade. Algumas dessas características encontradas na obra de Turner influenciaram a pintura impressionista no século seguinte.

A aquarela é popularmente comercializada em formato de pastilhas secas que têm um preço mais acessível, as aquarelas profissionais, no entanto, podem ser encontradas em bisnagas pequenas. Por se tratar de uma técnica de pintura com água, é necessário que o papel utilizado seja de gramatura mais alta, a partir de 300 g/m², e com certa rugosidade para que a tinta seja melhor absorvida, evitando que escorra de maneira indesejada sobre a superfície do papel ou que este rasgue ou enrugue. Entretanto o tipo de textura vai depender bastante do efeito que o artista deseja obter em sua obra. Ao ser diluída no papel a aquarela forma mesclas cromáticas, adquirindo novos tons e transparências, também conhecidas como veladuras. Por este motivo, explorar o verdadeiro potencial da aquarela, requer um bom treino artístico e a escolha certa dos materiais.

Crédito imagens:
Thais Slaski
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Ukiyo-e – Pinturas do mundo flutuante

Gênero da arte japonesa que emergiu entre os séculos XVII e XIX, o ukiyo significa em tradução livre “retratos de um mundo flutuante”. O estilo influenciou a cultura ocidental, inclusive os artistas do impressionismo e pós-impressionismo, como Claude Monet e Van Gogh. Apesar de ter entrado em declínio, as pinturas e gravuras ukiyo-e encantam e chamam a atenção pela leveza e delicadeza das figuras retratadas e o emprego sofisticado de técnicas de gravura japonesa.

Os artistas do ukiyo-e buscavam retratar o sentimento hedonista vivido pela classe mercante da antiga capital japonesa, Edo, região onde hoje é Tóquio. Por isso, os temas mais comuns retratados nas obras eram a beleza feminina, o teatro kabuki, os lutadores de sumô, as paisagens e cenas lendárias e folclóricas – tudo que encantava a nova burguesia que provinha da urbanização do Japão do final do século XVII.

Os procedimentos para a realização das gravuras ukiyo-e começavam com o editor que encomendava um determinado projeto a um artista que o desenhava primeiramente a tinta e em papel transparente. Após a aprovação, o desenho era transferido para uma prancha de madeira de cerejeira que era talhada até se obter as formas propostas em relevo. Em seguida a prancha era entintada e pressionada sobre papel japonês para se obter a impressão. A intensidade da pressão da prancha sobre a folha de papel poderia ser variada nas demais impressões para que se obtivesse efeitos diferentes.

As primeiras xilogravuras ukiyo-e eram monocromáticas e invariavelmente negras. As cores foram introduzidas conforme a técnica evoluiu e os xilógrafos começaram a usar diversas pranchas para registrar as diferentes cores em uma única gravura, o que ocorreu por volta da segunda metade do século XVIII. O estilo artístico passou por diferentes fases e assumiu temas característicos em cada momento. Assim como outros movimentos de destaque da história da arte, foi influenciado por questões estéticas e até mesmo políticas em cada período.

Entre os nomes mais famosos da arte japonesa ukiyo-e destaca-se o do artista Katsushika Hokusai. A sua obra A grande onda é uma das artes japonesas mais reconhecidas e reproduzidas mundialmente. A gravura faz parte de uma série intitulada “Trinta e seis vistas do monte Fuji”. Na paisagem, o monte Fuji emerge ao fundo com o cume nevado e mais à frente três barcos são levados pelo mar agitado em que uma grande e azulada onda é retratada em todo o seu esplendor. O retrato efêmero de um momento é uma das características que vieram a influenciar os artistas impressionistas.

O japonismo chegou à Paris de 1867 através de uma exposição sobre arte japonesa. Nesta ocasião os artistas que formariam o grupo de impressionistas já começavam a sua própria revolução e o rompimento com os paradigmas da arte clássica. Porém foi ainda no final do século XIX que o ukiyo-e viu o seu declínio. O Japão viveu uma rápida modernização, sofrendo forte influência da cultura ocidental e o estilo tornou-se obsoleto.

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